El género dramático

El drama es un género literario que se basa en la representación de conflictos humanos que tienden a su resolución. Cuando esta es positiva, nos encontramos ante una comedia; si por el contrario es negativa, se produce una tragedia.

El objetivo del drama es conseguir que el espectador se implique de algún modo en lo que está presenciando. Conviene no olvidar que los textos dramáticos no alcanzan su pleno sentido hasta que se ponen en escena. En el drama no hay un narrador o un yo poético que nos guíe, y este hecho nos obliga a enfrentarnos directamente con lo que está sucediendo en el escenario. Una obra de teatro siempre es un desafío tanto para el sentimiento como para la inteligencia del espectador.

Se trata de un reto singular, puesto que, contra lo que cabría esperar, no solemos afrontarlo en solitario. Por su propia naturaleza, la obra dramática tiene un indudable carácter social. Nunca estuvo pensada para que un solo individuo la disfrutase en privado, sino para su exhibición pública.

Quien acude a un teatro participa en un acontecimiento único, ya que la representación de la que va a ser testigo no se repetirá jamás: la interpretación de los actores, la actitud del público, las circunstancias que rodean la función, las mismas condiciones de la sala crean un clima especial que desaparece para siempre en el momento en que cae el telón. Por eso es fundamental que, cuando acudimos al teatro, lo hagamos siendo conscientes de la importancia del espectáculo que se nos ofrece y lleguemos dispuestos a entrar en su dinámica, poniendo en alerta todos nuestros sentidos para experimentar el asombro, el dolor o el rechazo ante una historia que bien podría ser la nuestra.

La temática del drama

El drama nos pone ante una situación conflictiva que suele ser fruto de la manera en que los personajes entienden sus relaciones con los demás. Es esencial comprender cuáles son los intereses que mueven a cada uno de ellos, qué valores defienden o cuestionan, qué sienten y cómo van evolucionando y transformándose a lo largo de la obra.

Los personajes libres, generosos, que colaboran con los demás y disfrutan con el encuentro, que ayudan a que otras personas sean felices despiertan inmediatamente nuestra simpatía; mientras que los que son egoístas e interesados, los que seducen al otro para dominarlo, convirtiéndolo en un objeto del que se sirven para conseguir sus propios fines provocan nuestro rechazo.

En otras ocasiones, el conflicto que se plantea es de índole personal. Se trata de un dilema cuya solución ocupa al personaje durante toda la obra. En este caso, lo importante no es la acción, que normalmente se reserva para el final, sino la reflexión, el análisis de los términos del problema, para poder decidir qué es lo mejor.

Sobre estas estructuras básicas se tejen argumentos muy variados. Aquí tienes algunos ejemplos, aunque seguro que a ti se te ocurren muchos más:

• Conflicto amoroso por el origen.
• Enfrentamiento entre padre e hijo.
• Los hermanos enemistados.
• El cónyuge infiel.
• La difamación del inocente.
• La prueba de amistad.

• El pacto con el diablo.
• El amor secreto.
• El mal consejero.
• El seductor o la seductora.
• La pérdida del hogar.
• El sacrificio.

• La venganza de una afrenta.
• Los abusos de un tirano.
• El bandido justo.
• La conspiración.
• La profecía.
• La avidez de dinero.

Elementos de la obra dramática

Formalmente, el rasgo que mejor caracteriza al drama es el hecho de que el autor cede la palabra a los personajes, para que sean ellos los que den cuenta de su historia a través de sus intervenciones. El discurso de un personaje (en prosa o en verso) se puede articular de dos formas:

• A través del diálogo: La conversación entre dos o más personajes, que alternativamente muestran sus ideas y sentimientos, y de esta manera dan a conocer cuál es el conflicto dramático.
  

  MAGDALENA. ¡Ya escuchaste lo que dijo!… DOÑA RAMÍREZ. Claro está que lo escuché. ¡Casarte tú con el Duque siendo amante del Marqués!… ¡Ser esposa de don Pero

  la que de don Mendo es! MAGDALENA. ¡Calla! DOÑA RAMÍREZ. ¡Pero ante Dios solo puedes casarte con el Marqués!



• Por medio del monólogo: Las reflexiones que hace en voz alta uno de los personajes, cuando se encuentra solo, para que el público pueda conocer su conflicto interior.
  

  MAGDALENA. ¿Qué importa? ¿Qué puedo esperar de él, si carece de fortuna y no es amigo del Rey?

  Quiero triunfar en la corte, quiero brillar, quiero ser algo que mucho ambiciono. ¡Quiero serlo y lo seré!



• También cabe la posibilidad de que un personaje hable para sí o con algún otro, suponiendo que no lo oyen el resto de los que se encuentran en escena, pero sí el público. Esta técnica se conoce como aparte.
  

  DOÑA RAMÍREZ. Pues lo mandan es razón que sea muda, ciega y sorda,

  pero me da al corazón que aquí se va a armar la gorda.

La estructura de la obra

Como ocurre con cualquier obra literaria, en el drama podemos distinguir entre una estructura externa: la organización de la obra, y una estructura interna: la organización de la historia que esa obra cuenta.

Tradicionalmente, la estructura externa del drama está compuesta por actos y escenas.

• Actos: Cada una de las partes en las que se divide la obra teatral, señaladas durante la representación por la subida y bajada del telón. Su número oscila entre tres y cinco.
• Escenas: Cada una de las partes en que se divide el acto de una obra dramática, definidas por la actuación de ciertos personajes: la entrada de uno nuevo o la salida (el mutis, como se denomina en el lenguaje teatral) de cualquiera de los presentes marcan el inicio de una nueva escena.

La estructura interna del drama suele ser tripartita, y consta de un planteamiento, exposición del conflicto; un nudo, desarrollo de la intriga; y un desenlace, su resolución. Este esquema encaja perfectamente con la organización de la obra dramática en tres actos. Cuando la obra presenta cinco actos, la estructura varía ligeramente: existe un planteamiento; un nudo; un primer desenlace parcial, el conflicto parece haberse resuelto; una peripecia, el conflicto toma un rumbo inesperado y resurge; y el desenlace definitivo. Este tipo de obra se conoce como drama tectónico.

En el teatro moderno la división en actos se ha sustituido por una estructura de cuadros y escenas autónomas, separados por cambios de luz, pasajes musicales o incluso carteles. Están concebidos como una serie de fotografías o pinturas que introducen al espectador en el ambiente del conflicto. No es necesario que la obra cuente con una presentación, un nudo y un desenlace; la tensión desaparece y es habitual encontrarse con finales abiertos.

Los personajes. Tipos

Como sabes, los personajes son las figuras que toman parte en la acción de una obra dramática. Según el grado de importancia que adquieren en la historia se clasifican en:

• Principales:
Soportan el peso de la acción y la llevan adelante.
• Protagonista: Es el héroe. Encarna determinados valores que triunfan o fracasan con él.
• Antagonista: Se opone al protagonista. Es él quien desata el conflicto de la obra.
• Secundarios:
Arropan a los principales.
• Aliados: Colaboran con el protagonista.
• Oponentes: Colaboran con el antagonista.

Por otra parte, si atendemos a su complejidad psicológica, los personajes pueden ser:

• Planos: Son personajes tipo, que responden a un modelo establecido, con una larga tradición literaria y, por lo tanto, con escasa originalidad: la dama, el caballero, el bobo, el valentón, el embustero, el cobarde… Son figuras prefijadas, convencionales, cuya actuación es previsible.
• Redondos: Son casos originales, que se distinguen por poseer un carácter propio, que manifiestan en su figura, su forma de ser, sus rasgos morales o su actuación. Son los más interesantes. Su singularidad los convierte en seres únicos que perviven en la memoria del público.

Normalmente, una obra dramática recoge en su primera página la relación de los personajes que intervienen en ella. Los actores que los interpretan forman el reparto. Cada uno de ellos tiene un papel: la parte que ha de representar y que se le entrega para que la estudie. Para facilitar sus intervenciones, su entrada y salida, cada escena indica en su encabezamiento los personajes que se necesitan para interpretarla.

Lugar, tiempo y acción

Se trata de tres elementos con una importancia capital en la obra dramática. En el teatro clásico se aplicaba lo que conocemos como "regla de las tres unidades":

• Unidad de lugar: La acción de la obra dramática se localizaba en un espacio único y preciso, un paraje natural, una plaza, un aposento, representado en el escenario.
• Unidad de tiempo: Para que fuese verosímil, la acción había de durar, a lo sumo, veinticuatro horas, aunque era deseable que se ajustase a la duración real de la representación.
• Unidad de acción: Ninguna acción secundaria debía perturbar el desarrollo de la trama, que debía exponerse al comienzo de la obra y proseguir sin interrupción hasta el final.

Observa el siguiente ejemplo:

Se trata de la acotación inicial de una comedia titulada El sí de las niñas, escrita por Leandro Fernández de Moratín, a comienzos del siglo XIX, ajustándose estrictamente a la regla de las tres unidades. Los autores posteriores abandonaron esta preceptiva, que complicaba bastante el desarrollo de sus obras. En una de las más famosas de nuestro teatro, Don Juan Tenorio, escrita por José Zorrilla unos cuarenta años después, se señala:

La representación teatral

Para llevar a escena una obra es precisa la cooperación de muchas personas:

• El dramaturgo: Es el autor de la obra, responsable del texto que se interpreta y creador de los personajes y del ambiente en el que se mueven. Para ello, además de los diálogos, redacta acotaciones: notas que se aparecen en la obra teatral, explicando las acciones, los gestos, los movimientos de los personajes y la disposición de la escena.
• El director de escena: Es quien selecciona la obra, la estudia y la adapta para que pueda representarse, incorporando los elementos visuales y acústicos que el autor ha incluido en las acotaciones. Más tarde es el encargado de seguir los ensayos, supervisar el montaje y velar por la calidad del espectáculo teatral.
• Los actores: Son los encargados de interpretar a los diferentes personajes. Suelen agruparse en compañías. El cuerpo que forma una compañía teatral se conoce como elenco.
• Los técnicos: Se encargan del atrezo: los bastidores, los decorados, los objetos que han de aparecer en escena. En función de su especialidad, hay tramoyistas (se ocupan de los cambios de escenario), iluminadores, encargados del vestuario, del maquillaje…
• Los espectadores: El público que acude al teatro y para el cual se ha preparado la representación.

Como sabes, el espacio donde se lleva a cabo la representación de la obra dramática se llama escenario. Si observas la ilustración podrás identificar el telón, la pieza de lienzo que cubre el escenario; la embocadura, el marco por el que se ve la escena cuando este se alza; las bambalinas, cada una de las tiras de lienzo que cuelgan a uno y otro lado del escenario; la escena, el espacio del escenario donde se interpreta la obra a la vista del público; el proscenio, la parte de la escena más próxima la público, que queda a la vista incluso una vez bajado el telón; la orquesta, el espacio comprendido entre el escenario y las butacas, que, a su vez, están dispuestas en el patio, la planta baja; el anfiteatro, el piso alto, organizado en gradas; los palcos, balcones; o el paraíso, último piso.

La tragedia

Como ya sabes, la tragedia es un tipo de drama en el que se desarrolla un conflicto con un desenlace fatal. Su objetivo es conmover al espectador, que se identifica con el protagonista de la obra y, en cierto modo, comparte su destino. Este hecho, que el público comparta el sufrimiento de un personaje que aspira a vivir su existencia con libertad y acaba fracasando, provoca lo que conocemos como catarsis: un sentimiento de purificación o liberación suscitado por la compasión y el horror ante lo que se está presenciando.

Los rasgos distintivos de la tragedia son los siguientes:

• Los personajes: desde su origen, en la antigua Grecia, la tragedia ha exigido la presencia de personajes nobles: dioses, héroes, reyes. Esta nobleza de sangre fue sustituida más tarde por una nobleza de espíritu: personajes generosos, esforzados, sufridos, que se arriesgan o se sacrifican por aquello en lo que creen.
• El estilo: el tono y el lenguaje suelen ser airosos y elevados. En ocasiones, la obra dramática incorpora pasajes poéticos, que resaltan el conflicto sentimental que viven los personajes.
• Los temas: en un principio, los temas de la tragedia partían de los mitos o de la historia, más tarde, se fueron ampliando con argumentos que parten de la psicología del protagonista y analizan las pasiones que acaban destruyéndolo.
• El mensaje ético: la tragedia se basa en un conflicto, en el que las partes enfrentadas se encuentran con los mismos derechos y solo pueden alcanzar sus objetivos hiriendo o eliminando al contrario, es decir, cometiendo una injusticia. La reflexión sobre la libertad, la justicia, la responsabilidad y la culpa es una parte fundamental del género, que ha servido a todas las sociedades para exponer sus valores morales y, llegado el caso, también para criticarlos.

Un ejemplo de tragedia: Yerma

Federico García Lorca estrenó Yerma en 1934. A instancias de su padre, Yerma se casa con Juan, un rico labrador de su pueblo. La mujer ansía convertirse en madre. Ya ha pasado un año desde la boda, pero el hijo que desea no llega y Yerma no comprende por qué. Tal vez sea Juan quien conozca la respuesta…

La comedia

La comedia es un tipo de drama en el que se desarrolla un conflicto con un desenlace satisfactorio. Aunque no es condición indispensable, la comedia suele estar vinculada al humor, a la comicidad, a la burla. Eso no quiere decir que en la comedia no haya crítica o reflexión. Veamos cómo funciona.

El humor juega siempre con el sistema de vigencias que aceptamos socialmente: nos reímos de lo que consideramos una caída súbita y transitoria de nivel (si fuera permanente se produciría un efecto trágico). Por ejemplo, el que una persona presumida y acicalada resbale y acabe en un charco produce risa (siempre que se levante y la encontremos ilesa, claro está), porque su caída pone en juego dos niveles —lo presumido y lo humilde– despertando nuestro sentido crítico, desenmascarando al impostor, o denunciando el tópico, la mentira social.

Como el humor es un juego de niveles, nos reímos de lo que no llega o se pasa, de lo que quiere ser y no es, de lo que sucede al contrario de lo que esperábamos, de lo inadecuado y fallido y, sobre todo, de lo que, siendo absurdo, se nos presenta como razonable.

Con carácter general, se pueden distinguir tres estrategias para producir humor:

• Humor por el carácter: centrado, por ejemplo, en la parodia o caricatura de un personaje.
• Humor por la situación: cuando deriva de unas circunstancias insólitas.
• Humor verbal: juegos de palabras, chistes.

Como ya se ha dicho, la caída de nivel no puede ser permanente, pero sí repetida. De hecho, la reiteración de ciertas palabras o escenas puede convertirse en un leitmotiv de gran fuerza cómica, pues implica al espectador que cuenta con la reaparición cíclica del mismo elemento.

Un ejemplo de comedia: Melocotón en almíbar

Miguel Mihura escribió Melocotón en almíbar en 1958. Una banda de atracadores alquila un piso en Madrid tras haber robado una joyería en Burgos. Lo primero que hacen es esconder en una maceta las joyas que han robado. Uno de ellos se pone malo, por lo que recurren a una enfermera. La enfermera resulta ser una monja que empieza a revolver media casa, parece saber todo lo que ellos esconden y pone especialmente nerviosos a los ladrones…

La creación y transmisión de ideas

Seguro que en algún momento habrás recibido el encargo de redactar un texto, elaborar un trabajo o realizar una exposición. Para afrontar este tipo de ejercicio, al que tendrás que enfrentarte en repetidas ocasiones a lo largo de tu vida académica (y tal vez profesional), es preciso que desarrolles ciertas técnicas. Para ayudarte a empezar puedes seguir estos puntos básicos:

• Ten en cuenta la extensión del trabajo y ajústate estrictamente al espacio o al tiempo de que dispones; tan malo es quedarse corto como pasarse.
• Busca las ideas que quieres desarrollar. Escribe una lista con los temas concretos que te servirán para el trabajo. Luego decide cuáles son los más importantes y de cuáles puedes prescindir.
• Organiza los contenidos que has seleccionado en un esquema, relacionando las ideas principales entre sí y desglosando cada idea principal en otras secundarias. Este esquema contendrá obligatoriamente:
  • Una introducción: Presentación del tema y de los puntos en que has dividido tu intervención.
  • Los puntos que vas a desarrollar.
  • Conclusiones: Una síntesis de lo que has expuesto junto con tu opinión personal.
• Busca la información que necesites y completa los datos que te faltan. Procura utilizar bien las fuentes: se trata de que tu trabajo sea original y no una simple copia de lo que otro ya ha dicho. Cuando acudes a un libro o a la red, lo haces para apoyar los puntos de tu propio esquema, nunca para reproducir lo que allí has leído.
• Sé consciente de que estás haciendo un servicio. Tu objetivo es facilitar la comprensión y transmitir tu mensaje del modo más agradable posible. Pregúntate: ¿Qué interés o importancia tiene el tema? ¿Qué quiero que los demás acaben sabiendo? ¿Qué aprendí mientras preparaba el trabajo? ¿Ha cambiado mi opinión en algún aspecto?
• Ante todo, que tu exposición sea sencilla, concisa y clara.

Diptongos, triptongos e hiatos. La tilde diacrítica. La diéresis

Cuando dos o más vocales se encuentran dentro de una palabra, esta coincidencia se resuelve de tres formas:

• Diptongo: Unión de dos vocales en una misma sílaba. Una de estas vocales ha de ser abierta: a, e, o, y la otra cerrada: i, u; o bien, la dos cerradas. Esto da lugar a las siguientes combinaciones:
• Diptongos crecientes (cerrada + abierta): cam-biar, cie-lo, kios-ko, len-gua, bue-no, con-ti-nuo.
• Diptongos decrecientes (abierta + cerrada): ai-re, seis, boi-na, cau-sa, eu-ro, Sa-lou.
• Diptongos homogéneos (cerrada + cerrada): ciu-dad, jui-cio.
• Triptongo: Unión de tres vocales en una misma sílaba (cerrada + abierta + cerrada): miau, limpiáis, enviéis.
• Hiato: Encuentro de dos vocales que se pronuncian en sílabas diferentes. Las dos vocales tienen que ser abiertas: a, e, o; o bien una abierta y otra cerrada, siempre y cuando la cerrada: i, u, sea tónica:
• Hiato entre abiertas: ca-en, a-ho-ra, le-al, re-o, ca-no-a, co-he-cho, le-er.
• Hiato entre abiertas y cerradas: pa-ís, le-ís-te, co-hí-be, Ra-úl, re-ú-ma, no-ú-me-no, pa-re-cí-a, rí-e, brí-o, pú-a, a-cen-tú-a, con-ti-nú-e.

Los diptongos y triptongos siguen las reglas generales de acentuación. Cuando un diptongo lleva tilde, esta se coloca sobre la vocal abierta: ca-mión, hués-ped, náu-fra-go; y, cuando ambas son cerradas, sobre la segunda vocal: cuí-date, in-ter-viú. Los hiatos también siguen las reglas generales: le-ón, Sá-ez, a-é-re-o, a excepción de los que se producen entre abiertas y cerradas, que, como has podido comprobar, siempre llevan tilde.

Los monosílabos no se acentúan (fue, pie, dio), a no ser con una tilde diacrítica para distinguir pares de palabras: Mi padre confía en mí (posesivo / pronombre), Tú conduce tu coche (pronombre / posesivo), Él llevó el caso (pronombre / artículo), Si vienes dime que sí (conjunción / adverbio), Que dé noticias de Juan (verbo / preposición); Te pido un té (pronombre / sustantivo), Sé que se venden (verbo / pronombre); Quiere más, mas no puede (adverbio / conjunción), Aun así, no ha llegado aún (conjunción / adverbio). La diéresis que aparece en palabras como: vergüenza, cigüeña o pingüino también es un signo diacrítico, que señala un diptongo.

Vocabulario: el arte

Hablamos de arte para referirnos a objetos o fenómenos que no valoramos tanto por su utilidad práctica como por su originalidad y su belleza. Si consulto un mapa, lo hago con un fin determinado: trazar una ruta; en cambio, cuando contemplo un cuadro, no estoy buscando información ni pretendo servirme de él como herramienta o medio para conseguir un fin: el cuadro es un fin en sí mismo, porque ante él experimento una emoción especial que suspende mi ánimo y mis sentidos quedan admirados por las ideas, los recuerdos, los gestos o las actitudes que esa obra pone en juego. La disciplina que estudia la naturaleza del arte y los efectos que produce en quien lo disfruta se conoce como estética.

En origen, la cultura occidental distinguió seis artes, atendiendo fundamentalmente a su medio de expresión: la pintura (forma y color), la escultura (volumen), la arquitectura (geometría), la danza (baile), la literatura (palabra) y la música (sonido). A estas se sumó a finales del siglo XIX el cine (imagen en movimiento), conocido como el séptimo arte. Por otra parte, solemos diferenciar entre artes plásticas, las que buscan la imagen, la dimensión, el volumen: arquitectura, escultura, pintura, fotografía, cine, y artes escénicas: el teatro, la danza, la ópera.

Existe un lenguaje artístico propio de cada una de estas disciplinas, con un léxico específico que debes conocer. Busca en el diccionario aquellos términos cuyo significado desconozcas:

• Pintura: cuadro, grabado, acuarela, collage, tríptico, fresco, óleo, lienzo, mural, textura, abstracto, trazo.
• Escultura: busto, estatua (yacente, sedente, ecuestre), efigie, relieve, escorzo, esculpir, tallar, cincelar.
• Arquitectura: nave, arco, bóveda, cúpula, arbotante, contrafuerte, frontón, pilar, arquitrabe, friso, cornisa.
• Música: tenor, soprano, cuerda, viento, percusión, melómano, sinfonía, sonata, ópera, zarzuela, lied.
• Cine: director, productor, guión, plató, secuencia, plano, picado, contrapicado, montaje, corto, doblaje.

Las supersticiones del teatro

Una representación teatral es un acontecimiento irrepetible. Este hecho le confiere un carácter especial. Por bien que hayan salido los ensayos, en el momento de la verdad, cuando el actor sale a escena, es imposible controlar todos los factores que contribuyen a que la función sea un éxito o se convierta en un fracaso. Un accidente fortuito, un olvido inoportuno pueden dar al traste con meses de trabajo. Tal vez esta sea la causa de que las supersticiones cundan en el mundo del teatro: utilizar flores naturales para adornar la escena, agotar el maquillaje cuando el actor está preparándose, recitar en los ensayos la parte final de la obra, sentarse al borde de una mesa o poner sobre ella los zapatos que se han de llevar el día del estreno son solo algunos ejemplos. Muchos actores rechazan que se les llame en público con el nombre del personaje que representan y prefieren que, en lugar de desearles buena suerte, se les desee lo contrario ("mucha mierda" o "pártete una pierna") para confundir a los malos espíritus.

Seguramente, la superstición más extendida sea la que desaconseja salir a escena vestido de amarillo. La tradición cuenta que Molière, el mejor dramaturgo de la literatura francesa, murió en el estreno de su última obra, El enfermo imaginario, el 17 de febrero de 1673, cuando representaba este papel vestido precisamente con una bata amarilla. Enfermo de tuberculosis, al llegar al cuarto acto, tuvo un fatídico acceso de tos que le provocó vómitos de sangre y estos, la muerte por asfixia.

El enfermo imaginario se convirtió en una obra maldita, aunque no es la única. En el mundo anglosajón, las gentes del teatro recelan de una de las mejores piezas de William Shakespeare: Macbeth. Se dice que las canciones de las hechiceras que aparecen en esta tragedia atraen la desgracia sobre el teatro que la pone en escena, sobre la compañía que la representa e incluso sobre el público que acude a verla. Tanto temor infunde que se prefiere evitar su nombre refiriéndose a ella como la tragedia escocesa.